Ateliers du labo junior 2021/2022

animés par Naïma Berkane et Agnès Thomas-Myara

 

24/11/2021


Velimir Mladenović, Université de Novi Sad, Université de Poitiers

Titre de la communication : « Louis Aragon et son transfert culturel serbe »

Dans ma communication je présenterai les liens entre Louis Aragon et les poètes et intellectuels serbes, la présence de la culture et de la littérature serbes dans l’œuvre de cet écrivain et le transfert culturel mutuel qui en découle. Pour une connaissance approfondie de la présence d’Aragon sur les marges du milieu serbe, nous nous penchons également sur la réception de ses œuvres et sur son influence directe sur les auteurs serbes dans la période de l’entre-deux-guerres.

Jana Bartůňková  

Titre de la communication : « Pëtr Bogatyrëv et le théâtre : l’homme et la recherche à l’arrière-plan »

Pëtr Bogatyrëv (1893 – 1971), ethnographe, spécialiste du folklore, membre fondateur du Cercle linguistique de Moscou, membre fondateur du Cercle linguistique de Prague, traducteur en russe des célèbres Aventures du brave soldat Švejk. On lui donne beaucoup d’attributs. Il est sans doute homme polyvalent. Et en plus, il est grand connaisseur en théâtre. Ses contemporains témoignent que le théâtre est la passion de toute sa vie. Tout le monde en est d’accord ; c’est écrit dans quasiment tous les textes sur lui. Pourtant son œuvre (y compris le travail sur le théâtre populaire) est étudié avant tout dans le contexte de l’ethnographie. Dans la présente intervention nous allons développer les arguments qui nous mènent à l’hypothèse que nos connaissances actuelles de Bogatyrëv – spécialiste en théâtre – ne sont complètes et exhaustives.

1/12/2021

Cristelle Pattu-Koczorowski

Titre de la communication : « Oskar Rabine : l’illustration d’un peintre non-officiel, les années soviétiques. »

Notre étude portera sur l’artiste peintre Oskar Rabine (1928-2018) de la mort de Staline en mars 1953 jusqu’au milieu des années 70. Il s’agira d’appréhender les notions d’artiste et d’art non-officiel à travers le prisme d’Oskar Rabine au sein du régime totalitaire de l’Union-Soviétique face à celles de l’artiste officiel et de l’art officiel issues chacune du réalisme socialiste.

Pour quelles raisons devient-on un artiste peintre non-officiel dans l’URSS des années 50, quel a été le contexte politique et social pour Rabine ?
Nous examinerons pourquoi sa peinture a pu être qualifiée de non-officielle par les autorités soviétiques au regard de son œuvre picturale et nous tenterons de répondre à la question suivante : Rabine était-il un peintre social en cherchant à « esthétiser la pauvreté » de la réalité de la société soviétique contemporaine ?
Comment Rabine de simple artiste non-officiel est-il devenu le leader d’un groupe d’artistes moscovites, appelé groupe de Lianozovo, dans le courant des années 50, puis finit par être la figure de proue des artistes non-officiels en Union Soviétique en 1974 ?

Enfin, l’exemple de Rabine, nous conduira à nous interroger sur la nécessité impérieuse de l’artiste non-officiel de braver les autorités politiques en réalisant des « actions » comme des expositions illicites pour assurer tant sa survie que celle de sa liberté de création.

L’artiste doit-il être jusqu’auboutiste dans sa posture de défenseur de la liberté artistique en défiant un État politique répressif quitte à mettre sa vie en péril ou doit-il se résoudre à un exil douloureux pour justement garantir la pérennité de son œuvre comme sa liberté de création ?

Mots-clés : art non-officiel soviétique ; dissidence ; expositions clandestines ; répression politique des artistes


Kevin Kalamperović

Titre de la communication : « Les artistes yougoslaves de l’École de Paris au XXe siècle »

En 1925, le critique d’Art André Warnod emploie l’expression « École de Paris » pour la première fois pour désigner l’ensemble des artistes étrangers arrivés au début du XXe siècle à Paris. A partir de 1900 jusqu’en 1939 plusieurs générations d’artistes étrangers affluent dans la ville lumière. Beaucoup d’entre eux sont originaires d’Europe centrale et orientale. Tous ces artistes viennent chercher à Paris des conditions plus favorables à l’épanouissement de leur art, la liberté d’expression et la rencontre de nouvelles cultures. Parmi eux se trouvent les artistes provenant de ce nouvel état européen appelé la Yougoslavie. Après la Seconde Guerre Mondiale, Paris redevient la Capitale des arts et attire à nouveau les artistes du monde entier. Le concept d’École de Paris s’est élargi, l’expression de « Nouvelle École de Paris » ou « Seconde École de Paris » est gardée pour continuer de désigner ces nouveaux représentants. L’École de Paris ne désigne pas un courant artistique. Elle rassemble tous les artistes ayant contribué à faire de Paris le foyer de la création artistique de 1900 jusque dans les années 1960-70. Pendant tout ce XXe siècle, Paris connait un bouillonnement des avant-gardes artistiques, et les frontières ne comptent plus. Paris sera le centre d’expériences nouvelles pour devenir un laboratoire de l’Art international. Pour cette intervention, je ferai un point concernant l’inventaire réalisé lors de cette premier année de thèse de tous ces artistes yougoslaves, plus de cinq cents qui ont séjourné ou vécu à Paris de Nadežda Petrović, Marko Čelebonović à Dado, Vladimir Véličković. Aussi les raisons pour lesquelles j’ai décidé d’aborder mon sujet de cette manière et les difficultés rencontrées.

26/01/2022

séance programmée par Lorène Ehrmann et modérée par Marie-Christine Autant-Mathieu

Marie-Christine Autant-Mathieu est directrice de recherche CNRS émérite (Arts du spectacle) et membre de l’UMR Eur’ORBEM.

Catherine Géry, INALCO

Titre de la communication : « La violence a-t-elle un visage de femme ? “Lady Macbeth du district de Mtsensk” de Chostakovitch sur les scènes contemporaines (Bertman, Kušej, Tcherniakov, Warlikowski) »



La nouvelle de Nikolaï Leskov La Lady Macbeth du district de Mtsensk, qui met en scène la première « tueuse en série » de la littérature russe, a connu depuis sa parution en 1865 de nombreuses adaptations à travers des media très divers : poésie, théâtre, arts plastiques, cinéma, opéra. C’est peut-être l’opéra qui a le mieux révélé la violence sociale et surtout sexuelle présente dans le texte de Leskov à l’état de latence. Dans sa version « féministe » – et profondément ambivalente – de La Lady Macbeth de Mtsensk en 1934, Dmitri Chostakovitch tente cependant de donner à la violence sexuelle une signification très différente de celle qu’elle avait dans l’œuvre source, substituant à la hantise des ténèbres de la sexualité féminine propre au siècle de Leskov une dénonciation des rapports homme-femme en Russie tsariste et un plaidoyer en faveur de l’émancipation des femmes. Les interprétations de l’opéra de Chostakovitch sur les scènes européennes au XXIe siècle (par des metteurs en scène tous masculins : Dmitri Bertman en 2000, Martin Kušej en 2006, Dmitri Tcherniakov en 2008, Krzysztof Warlikowski en 2019), marquées par une exhibition de la violence physique et/ou politique, oscillent quant à elles entre goût pour le spectacle scandaleux (à la fois érotique et sanglant) et nouvel engagement féministe. Ces versions contemporaines de « l’affaire Lady Macbeth » sont autant de commentaires plus ou moins radicaux sur la charge subversive de la figure de femme criminelle créée par Leskov, sa dimension cathartique mais aussi ses manipulations idéologiques. 

Catherine Géry est professeure de littérature et de cinéma russes à l’INALCO (Institut National des Langues et Civilisations Orientales) et directrice du Centre de recherches Europes-Eurasie (CREE).


Lorène Ehrmann                                                                       

Titre de la communication : « L’adaptation pour l’opéra de Cœur de chien de Mikhaïl Boulgakov par Alexander Raskatov (compositeur), Cesare Mazzonis (Librettiste) et Simon McBurney (metteur en scène) »

Dans le Moscou des années 1920, un chien des rues croise le chemin d’un éminent professeur qui fera de lui un humain malgré lui. Mikhaïl Bulgakov écrit la nouvelle Cœur de chien en 1925. Immédiatement interdite, elle ne paraitra en URSS qu’en 1987, dans la revue Znamia. Ce récit fantastique et satirique a, depuis, fait l’objet de plusieurs adaptations au théâtre et au cinéma. Le compositeur russe Alexander Mikhaïlovitch Raskatov a, quant à lui, composé un opéra dont la première a eu lieu en 2010 à l’Opéra d’Amsterdam. Grand mélomane, Bulgakov fait de nombreuses références à l’opéra tout au long de la nouvelle. Cela rend son adaptation sous forme opératique à la fois naturelle et problématique : Comment restituer le riche décalage que crée l’intrusion de l’opéra dans la littérature à l’intérieur d’une forme purement opératique ? Comment faire entendre les citations et les allusions à d’autres compositeurs dans la nouvelle partition ? J’aborderai ces questions en m’appuyant sur la partition d’Alexander Raskatov, le livret de Cesare Mazzonis, des extraits du spectacle mis en scène par Simon McBurney et les entretiens que j’ai eu la chance d’avoir avec le compositeur.

2/02/2022

séance programmée et modérée par Astrid Greve Kristensen

Rose Joy Smith, Charles University & University of Groningen                                   

Titre de la communication : « Usable Pasts in Museums of Communism »

This presentation focuses on the crossroads of identity and history in Poland and the Czech Republic. It aims to understand how the history of Communism is used in the creation of different levels of identity. First, it identifies three trends in the representation of the Communist-era in museums, namely Communism as foreign, terror, and nostalgia. The three trends are then analyzed according to their usable past. These usable pasts are divided into three levels of identity: city, nation, and Europe. It uncovers how the history of Communism is reconstructed to serve the needs of different levels of collectives.

 

Agnieszka Sobolewska, Sorbonne University & Warsaw University                         

Titre de la communication : « Theories and Practices of Shadow Psychoanalysis in Poland: The Case of Aleksander Oszacki and Piotr Odmieniec Wlast (Maria Komornicka)»

In the history of Polish literary history, the case of the modernist writer Piotr Odmieniec Włast (Maria Komornicka) has exposed the struggles and aporias which have been present in Polish literary science for the recent three decades. It is no coincidence that one of the most commonly asked questions in research on Włast’s work concerned the issue of the poet’s gender transgression. Paradoxically, the search for “the truth” on Maria Komornicka’s transition into Piotr Włast eclipsed the problem of the cultural dimension of psycho-medical literature in Włast’s times. In order to continue to expand our understanding of the cultural history of non-normative sexuality and “the doubting sex,” it is worth to return to the historical moment when psycho-medical literature took shape – a process which was closely tied to Włast’s biography. In this chapter, I will treat sexological knowledge of the turn of the nineteenth and twentieth century as a result of dynamic interactions between the language of medical sciences, psychology, philosophy and literary discourses as well as life-writing. With the question on the changing social and discursive conditions in which the desires of historical subjects are constructed as my point of departure, my aim is to revisit the very dynamics of psycho-medical writing which made such constructions possible at all.

 

 

 

Ateliers du labo junior 2020/2021

animés par Naïma Berkane

27/01/2021

Sonia Gavory

Titre de la communication : « La Mouette d’Antoine Vitez : une mise en scène inscrite dans sa traduction »

I. Traduire et mettre en scène La Mouette : Un retour à la précision, pour chasser « les brumes du Nord »
II. L’oeil de l’entomologiste


17/02/2021

Ivona Valeria Iacob Blanc
Titre de la communication : « Histoire biographique des femmes de diplomates en Hongrie à la fin de la Seconde Guerre mondiale »

 

Aida Čopra, Sorbonne Université (ERjIS)

Titre de la communication : « La redécouverte et de la réutilisation de la dramaturgie de la Commedia dell’Arte dans le théâtre contemporain des pays slaves »

La séance se déroulera en trois parties

1. Au premier lieu nous présenterons, sur l’exemple des approches de Meyerhold, le travail des grands metteurs en scène contemporains russes qui réfléchissent sur le théâtre du passé, sur la tradition de la Commedia dell’Arte, pour trouver un nouveau théâtre du présent. Meyerhold s’intéresse surtout au travail de Craig, son rapport avec la Commedia dell’Arte et le concept de sa Uber-Marionette pour poser les bases de son « théâtre conventionnel ».

2. Au deuxième lieu nous nous concentrerons sur le travail de Pavel Rouba, mime polonais, qui débute sa carrière dans la compagnie d’Henrik Tomaszewski et pose les bases de l’école du mime polonais en synthétisant l’art du mime aux éléments de danse classique et moderne. Les principes de la pédagogie de Tomaszewski sont ainsi à la base de la pédagogie de Rouba, qui, dans les années 80, fait partie de l’équipe de collaborateurs de Carlo Boso, metteur en scène et pédagogue italien qui dédie toute sa vie à la découverte de la Commedia dell’Arte.

3. Au troisième lieu nous présenterons les liens qui unissent notre recherche aux différentes expériences liées au théâtre contemporain des pays de l’ex-Yougoslavie, en particulier la perception du théâtre de Sarajevo pendant la guerre à travers le travail de Pippo Delbono.

1/04/2021

Michèle Fornhoff-Levitt, ULB, Sorbonne Université

Titre de la communication : « Le théâtre yiddish de l’entre-deux-guerres en Occident: explorationd’une identité nomade »

Résumé : Émergeant tardivement à la fin du 19e siècle, le théâtre yiddish « moderne » connaît son heure de gloire à l’époque mouvementée de l’entre-deux-guerres. D’abord apparu en Europe centrale et orientale sous la plume d’une multitude d’auteurs aux prises avec un Yiddishland imaginaire, il gagne l’Ouest à travers les représentations de troupes itinérantes ou locales venues y évoquer un passé séculaire ou plus récent devant un public d’immigrés juifs désireux de retrouver leurs racines ou la mémoire nostalgique d’une culture abandonnée de force. Malgré ce développement anachronique du théâtre yiddish professionnel et l’absence d’une tradition théâtrale « classique », le Juif, par son aptitude à l’autodistanciation, semble maîtriser l’instinct du jeu, et partant, la « théâtralisation » de sa propre identité, ancrée dans le rite ancestral du Purimshpil.
Ma thèse doctorale en cours d’élaboration cherche à sonder cette judéité « théâtrale » telle qu’elle est vécue (acteurs) et perçue (publics) en Occident à travers « l’incarnation » scénique de la yidishkayt dont le visage mémoriel d’un passé diasporique cherche à façonner de manière à la fois intro- et extrospective et avec une conscience lucide et incisive de la comédie humaine, le comportement et la place du Juif dans le monde moderne.

Mots-clés : théâtre, jeu, yiddish, judéité, identité.


Lola Sinoimeri, Paris 8, Sorbonne Université

Titre de la communication : « Dashuri e huaj [Amour étranger] d’Elvira Dones – Un parcours migratoire au prisme du genre »

Dashuri e huaj [Amour étranger] est le premier roman d’Elvira Dones, paru en 1997 : qualifié par l’autrice elle-même de « profondément autobiographique », il retrace le parcours d’exil à la fin des années 1980 de Klea, double de Dones, de l’Albanie communiste à la Suisse italienne.
Il s’agira de voir, durant cette courte présentation, en quoi le parcours migratoire est indissociable d’un bouleversement des rapports sociaux de genre : l’autrice s’emploie dans une grande partie du roman à décrire le climat social totalitaire et patriarcal qui règne dans son pays d’origine et qui l’atteint tout particulièrement, du fait de son statut transgressif et dérangeant de mère divorcée et célibataire. Si l’exil peut être interprété au premier abord comme une forme d’émancipation des normes de genre en vigueur en Albanie communiste, on constate que la réalité est plus complexe et que l’exil implique plutôt une réorganisation des rapports du personnage féminin à ces normes : le stigmate de la traîtresse à la nation est intériorisé par Klea, qui devient dépendante d’un autre homme et subit la violence symbolique et économique en tant que réfugiée albanaise en Suisse. La mise en récit de cet exil constitue alors l’élaboration littéraire d’un point de vue féminin qui outrepasse les frontières et qui, loin de confronter schématiquement deux régimes de genre (le monde « balkanique » et le monde « occidental »), propose une analyse nuancée du parcours d’une femme albanaise immigrée en Europe de l’ouest.

 

Ada Grudzinski

Titre de la communication : « La recherche documentaire : entre méthode scientifique et pratique du cinéma documentaire »


5/05/2021

Astrid Greve Kristensen

Titre de la communication : « The Orphan as Other »

In my presentation I aim to demonstrate different ways we can understand the orphan as an ‘Other’. Two different spheres of the orphan are combined, the historial and the literary, in order to show how these interact and affect each other. I combine the field of childhood studies, literature and the philosophical notions of Julia Kristeva in an attempt to access a mythological aspect of childhood, and show how this may in fact be hypercharged when the child is an orphan. This presentation is a first attempt for me as a researcher to distill some foundational thoughts on how the orphan may be read or understood as a character, and a reflection on why orphans enjoy such popularity in fiction. I explore in what ways the cultural understanding of the ‘child’ is a major factor in this popularity. The orphan becomes an Other to us, both because the child is an Other to the adult, and the orphan is an Other to the ‘normative’ child who has parents. The nuclear family typically is the closest unit of control in a child’s life. As such, there exists a certain combination of liberation and loss in the orphan character, creating a tension that is conducive to telling stories of fantasy and adventure. However, historical tragedies such as wars or epidemics also produce a larger number of real-life orphans, which in turn produces more orphan narratives of a less fantastical nature. In my presentation I attempt to distill all of these points. At the end, I make use of the theories to do a preliminary reading of one of my objects of study, the novel Noční práce (2001) by Jáchym Topol.

 

Marcin Gołąb, University of Warsaw

Titre de la communication : « Child and childhood in postwar Poland (1944-1956) »

In my project, I describe the situation of children in Poland immediately after the Second World War combining two perspectives. One perspective is the perspective of institutions that are interested in childcare and child-rearing and the second one is a perspective of a child. In the first case, I aim to see adult practices regarding children, connected to the possible definitions of ‘childhood’. In the second case, I want to better understand what children’s experiences, thoughts, and emotions were and to recognize children’s self-knowledge. In my research, I use sources traditionally used in cultural history, for example, official documents (reports, agendas, financial statements), press, handbooks, iconography (photos, movies, posters), but also children’s creations from that period, which are in humanities known as ‘personal documents’: letters, postcards, diaries, notebooks with notes, school essays, and drawings. In my presentation, I analyze three case studies from my project. First, I explain how childhood studies are connected with children’s rights, especially the Convention on the Rights of the Child from 1989, and why it matters to my research. Second, I take a closer look at the involvement of Polish children in collecting the Colorado beetle after the II World War to consider issues of juvenile labor, social engagement, and rural childhood conditions. Third, on the example of school essays on the end of the war, I reflect on the possibility of using children’s creations as sources, the role of school education in their construction, and their content. In conclusion, I address to the audience questions on issues that are important to my project.

 

26/05/2021


Lorène Ehrmann

Titre de la communication : « L’adaptation des textes non dramatiques russes sur les scènes françaises dans la période post-soviétique »

«Aujourd’hui, les grands écrivains du XXe siècle choisissent le roman de préférence au théâtre, comme s’ils voulaient embrasser, au moyen de cette forme, un monde qui les dépasse et qui devient sans cesse plus énorme. C’est pour cette raison que j’ai choisi « principe-parasite » afin de mener en quelque sorte, une vie en symbiose avec la littérature. Il existe des couples d’animaux qui vivent ainsi en symbiose permanente, chaque partie donnant quelque chose à l’autre. »
C’est ainsi que Krystian Lupa expliquait en 1999, lors d’un entretien avec Michel Archimbaud, l’un des principes fondateurs de son esthétique : l’adaptation.
Ce grand metteur en scène polonais construit depuis les années 80 un rapport symbiotique notamment avec la littérature russe et germanique. Son adaptation des Frères Karamazov de Dostoïevski et celle du Maître et Marguerite de Boulgakov ont été jouées en France. Le public français a également pu voir ces œuvres sous le prisme – ô combien différent – de l’Allemand Frank Castorf. Au cours des trente dernières années, ces monuments de la littérature russe lui ont également été proposées par des metteurs en scènes français (Jean Bellorini, Sylvain Creuzevault…), britanniques (Simon McBurney), lituaniens (Oskaras Korsunovas), bulgares (Stefan Moskov)… Chaque adaptation se fondant sur des principes esthétiques et philosophiques des plus variés. Outre les œuvres narratives, les scènes françaises ont également vu fleurir des adaptations d’œuvres d’auteurs de la sphère russophone à caractère sociologique ou documentaire (Svetlana Alexievitch…), poétique (Marina Tsvetaïeva, Vladimir Maïakovski…), autobiographique (Nijinski…), cinématographique (Tarkovski…)…
En étudiant la présence de ces adaptations dans le paysage théâtral français au cours de ces trente dernières années, nous nous proposons de comprendre l’influence et l’actualité des lettres russes et russophones sur le théâtre français : cette présence est-elle constante sur la période étudiée ou peut-on observer des variations notables, qu’offrent les matériaux choisis de spécifique à la réflexion des metteurs en scène, quel accueil le public réserve-t-il à ces œuvres et a-t-il des attentes particulières ? Par ailleurs, peut-on parler d’un dialogue actualisé ? La variété des œuvres adaptées et des points de vues proposés permet-elle d’aiguiser une curiosité pour les évolutions, les idées et les formes actuelles du monde russophone ?

Ateliers du labo junior 2019-2020

6 mercredis de l’année de 17h à 19h

à l’Institut d’Études slaves (9, rue Michelet, Paris 75006)

animés par Agnès Thomas-Myara et Naïma Berkane

 

Cet atelier est créé pour et par les doctorants, afin de rompre l’isolement et aider chacun dans son parcours de thèse. Il ne doit pas constituer une charge de travail supplémentaire. Nous souhaitons qu’il soit un lieu d’échanges, de conseils, d’expériences, qu’il permette un entraînement à l’oral d’une partie de notre travail en cours sans jugement hiérarchique, mais dans un climat d’émulation, de rigueur scientifique, d’entraide estudiantine et de bienveillance. Il va de soi qu’aucun de nous ne pourra être présent à chaque séance de cet atelier. Nous espérons cependant pouvoir nous y retrouver le plus souvent possible.

 

Chaque séance sera composée de :

  1.  deux présentations (l’une d’un doctorant en début de thèse et l’autre d’un doctorant plus avancé dans sa recherche) de 20 mn maximum, sorte de “terrain d’entraînement”.
  2. puis discussion d’une dizaine de minutes pour chaque intervention
  3. Une heure sera ainsi conservée pour échanger sur les problèmes divers et variés que nous rencontrons pendant notre parcours.

Les dates à retenir:

23 octobre , 13 novembre, 8 janvier, 12 février, 11 mars et 22 avril